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Une conversation avec Sabine Broekmann, consultante en art et creative coach
Il existe un type particulier de personne qui porte le même regard attentif sur chaque objet de sa vie — l'œuvre accrochée au mur, le meuble placé dessous, le sac avec lequel elle sort. Sabine Broekmann est cette personne.
Basée à Düsseldorf, capitale allemande de la mode et du design, Sabine a bâti son nom dans le monde de l'art depuis 1992 — en tant que galeriste, curatrice, consultante en art et, plus récemment, coach créative et artiste sous le nom de SABIN. Son studio, Raum für Kunst, a guidé collectionneurs, premiers acheteurs et entreprises vers des œuvres qui appartiennent à leur espace, plutôt qu'elles ne s'y trouvent simplement accrochées. Sa longue collaboration avec Drifte Wohnform, l'une des maisons de design d'intérieur les plus respectées d'Allemagne, la place précisément à cette frontière productive entre art et vie quotidienne.
Lors de sa première visite sur le lac de Côme, Nosetta l'a immédiatement séduite — elle est repartie avec la Velvet Net Tote, une pièce en édition limitée où un filet de velours noir appliqué sur une toile champagne crée une surface tridimensionnelle et changeante qui se lit différemment selon la lumière. Pour quelqu'un qui pense en structures visuelles chaque jour, c'était un choix naturel. Nous lui avons demandé de parler d'atmosphère, de perception et de la raison pour laquelle les beaux objets — des tableaux aux accessoires en cuir italien — changent notre façon de nous sentir.
Vous avez passé trente ans à aider les gens à vivre l'art autrement. Comment une œuvre choisie avec soin — ou même un simple objet bien conçu — peut-elle réellement changer l'atmosphère d'une pièce ?
Une œuvre d'art que quelqu'un choisit pour lui-même est quelque chose de très personnel. Et elle agit exactement de cette façon dans l'espace où elle est placée. Les personnes qui y vivent et l'œuvre entrent en connexion, et à travers cette relation, le tableau donne vie à la pièce encore et encore — selon l'angle depuis lequel on le regarde, ou les conditions de lumière. Souvent, le tableau et les meubles entrent eux aussi en relation, et à travers cette symbiose, ils élèvent l'atmosphère d'un espace.
Vivez-vous une belle pièce ou un bel objet différemment aujourd'hui qu'il y a trente ans ?
Non. L'atmosphère est aussi importante pour moi qu'elle l'a toujours été. Même enfant, je mettais en scène ma chambre, puis mes galeries et mes espaces de vie. Le désir de m'entourer de belles choses, ou de passer du temps dans des espaces bien conçus, a toujours été là — et n'a fait que s'approfondir avec le temps.
Ce qui a changé, en revanche, c'est la vitesse de ma perception. Lorsque j'entre dans un nouvel espace, j'en saisis la qualité atmosphérique en quelques secondes — ses points forts, mais aussi ses faiblesses dans la façon dont il a été agencé.
Votre studio s'appelle Raum für Kunst — Espace pour l'Art. De quoi un espace a-t-il besoin pour que l'art puisse véritablement y appartenir ?
Une pièce a simplement besoin d'être une pièce pour que l'art puisse y vivre. Les artistes rêvent toujours d'un cube blanc où rien ne distrait de l'œuvre — mais j'aime aussi visiter les maisons de collectionneurs où parfois des centaines d'œuvres sont disposées dans tous les sens. Vivantes ! Tout est permis. L'art peut s'intégrer partout. Chaque espace, chaque endroit gagne à la présence de l'art.
Il ne faut pas de pièce particulière. On trouve l'art partout — jusque dans les rues de nos villes.
Quelle est la seule chose que les gens font toujours mal quand ils introduisent l'art chez eux pour la première fois ?
Tout d'abord, c'est toujours merveilleux quand des personnes introduisent l'art chez elles. Un point c'est tout. La seule chose que l'on peut vraiment rater se produit au moment de l'accrochage. La hauteur, la distance avec les meubles voisins, l'angle de vue — tout cela compte. Souvent, ce sont quelques centimètres qui déterminent si l'effet est parfait ou non. Et malheureusement, c'est là que beaucoup de choses se passent mal.
Qu'avez-vous appris de votre longue collaboration avec Drifte Wohnform — votre plateforme d'exposition pour l'art ?
En tant que galeriste ayant dirigé ses propres galeries pendant trente ans, je connais bien la différence entre une galerie et un espace de design. La clientèle qui achète de l'art chez Drifte Wohnform est très différente de celle qui parcourt les galeries à la recherche d'œuvres. Chez Drifte, les gens cherchent spécifiquement de l'art pour leurs espaces de vie. Beaucoup sont des premiers acheteurs qui découvrent l'art pour la toute première fois dans ce type de contexte. L'art que j'y expose est donc adapté à ces chercheurs d'art. Relier l'art à l'intérieur rapproche les œuvres de personnes qui, autrement, ne s'y intéresseraient pas.
Il y a aussi une perspective différente de la part des artistes eux-mêmes, dont beaucoup préfèrent présenter leur travail dans des galeries plutôt que dans des espaces de design — ce qui est tout à fait compréhensible. Mais ma présentation sensible et réfléchie de l'art dans un intérieur les fait souvent changer d'avis. De beaux meubles peuvent être des compagnons précieux pour les œuvres d'art.
Le hobo de Sabine chez Drifte Wohnform
Votre pratique créative en tant que SABIN vous rend-elle plus ou moins exigeante en tant que conseillère ?
Depuis que j'ai commencé à travailler de façon créative sous le nom de SABIN, mon approche du conseil n'a pas changé — mais mon regard sur le travail des artistes s'est profondément transformé. Je comprends bien mieux leur processus et leurs besoins, parce que je vis moi-même ce que signifie se montrer en tant qu'artiste.
Pouvez-vous nous raconter une recherche qui vous a marquée — une commande particulièrement difficile à résoudre ?
Les clients avaient une entrée qui contenait déjà beaucoup : un meuble changeant de couleur, un tapis à motifs de trois sur cinq mètres, un imposant canapé en cuir, et des œuvres déjà présentes à proximité qui captaient immédiatement le regard. Le mur lui-même était immense. Trouver quelque chose qui puisse s'imposer dans ce contexte — sans rivaliser, sans disparaître — n'était pas une tâche simple.
Dans ces moments-là, je me compare volontiers à un cochon truffier. La recherche est la partie la plus enthousiasmante du travail, et cette fois, la truffe valait la peine d'être trouvée.
Elle venait de Belgique. Thomas Gromas est un artiste connu pour ses sculptures murales en matériau synthétique, bois et acier inoxydable. Son œuvre répondait à toutes les exigences : une présence forte, aucune palette chromatique propre — au contraire, elle reflète tout ce qui l'entoure, changeant avec la lumière et la pièce. Moderne, intemporelle, et parfaitement aboutie.
L'œuvre s'appelle To the Moon and Back. Elle n'a pas voyagé aussi loin que ça. Mais c'était exactement la bonne distance.
Thomas Gromas - To the Moon and Back
Par où commence le chemin pour quelqu'un qui n'a jamais acheté d'œuvre originale — et comment passe-t-on de ce premier achat à se considérer véritablement collectionneur ?
Idéalement — avec moi. Je suis spécialiste des premiers acheteurs. Je connais leurs réserves, leurs incertitudes et leurs envies — et j'aime conseiller ceux qui découvrent l'art pour la première fois. Au-delà de cela, je recommande toujours de visiter des foires d'art pour vivre ses premières expériences. Elles offrent aux novices la possibilité d'avoir un aperçu complètement ouvert et détendu des facettes infinies que l'art a à offrir. Et plus on s'engage avec toutes les possibilités que l'art recèle, plus il devient fascinant — vous entraînant toujours plus profondément dans l'histoire de l'art et dans la vie de ceux qui le créent.
Design chez Drifte Wohnform
Vous parlez souvent de l'idée que s'entourer de beauté change la façon dont on se sent. Pensez-vous que cela s'étende au-delà du foyer — aux choses que l'on porte au quotidien ? Un accessoire bien conçu peut-il porter en lui la même énergie ?
Absolument. Il existe un vieux dicton hermétique : « Comme dedans, ainsi dehors — comme dehors, ainsi dedans. » Je crois qu'il décrit exactement ce que j'ai observé pendant trente ans. L'espace que nous créons est le reflet de notre rapport à la vie — ou, inversement, que façonner consciemment le monde extérieur agit aussi sur notre âme intérieure.
Dernière question : vous avez découvert Nosetta lors d'un séjour sur le lac de Côme. Quelle pièce vous a parlé — et la porter vous fait-elle vous sentir un peu mieux ?
J'ai découvert la Rombi Hobo sur les réseaux sociaux de Nosetta et j'en ai été immédiatement attirée — un motif géométrique minimaliste sur jacquard blanc, précis et silencieux à la fois. Pour quelqu'un qui travaille chaque jour avec structure, surface et composition visuelle, c'était immédiatement juste. L'Italie m'a toujours touchée d'une façon particulière : cette conscience que le design ici n'est jamais purement décoratif, mais toujours lié à une tradition, un lieu, une façon de voir. La Rombi est faite ainsi. Je la porte comme j'accroche une œuvre que j'aime — parce qu'elle change comment je me sens.
Sabine et son amour pour le design italien
Le sac que porte Sabine est la Rombi Hobo — partie de la collection jacquard de Nosetta, fabriquée artisanalement en Italie à partir de tissus des ateliers textiles historiques du lac de Côme et finie avec du cuir toscan tanné végétal. Le motif Rombi — des losanges en jacquard blanc sur blanc — est l'un des designs les plus architecturaux de Nosetta : assez structuré pour tenir sa forme, assez discret pour s'adapter partout.
Comme toutes les pièces Nosetta, il est réalisé sans compromis et sans logo visible. Conçu à Cernobbio, sur les rives du lac de Côme. Porté bien au-delà.
Sabine Broekmann est consultante en art, galeriste et creative coach basée à Düsseldorf. Elle a bâti sa réputation dans le monde de l'art depuis 1992. En savoir plus sur sabinebroekmann.com.
The things we value most about how we work were not invented. They were inherited — from the mills, the artisans, and the rhythms of life on Lake Como. And they are responsible. Zero waste. Transparent supply chain. Timeless design. No compromise.
Chaque pièce Nosetta commence par les tissus de Côme, les mêmes textiles exceptionnels qui approvisionnent les maisons de luxe du monde entier. Mais pour comprendre pourquoi ces tissus sont exceptionnels, il faut aller plus loin. Récemment, la directrice Maddalena Terragni nous a guidés à travers l'extraordinaire collection de la Fondazione Antonio Ratti : plus de 3 300 fragments de textiles datant du IIIe au XXe siècle. Ce qu'Antonio Ratti a commencé dans les années 1950 comme une source d'inspiration personnelle pour ses créations est devenu une ressource publique inestimable. Pour ceux d'entre nous qui travaillent avec les textiles de Côme, c'est un retour aux sources, un rappel que nous n'achetons pas simplement du tissu, mais que nous participons à un héritage qui s'étend sur plusieurs siècles.
